CDM X IID Student Exhibition

After the Covid-19 pandemic, the university campus was reopened in 2022. As the student community recruited new members for opening a celebrating student exhibition, I participated as a member of HR Department within the Culture and Design Management student council.
This exhibition was dedicated to those majoring in Culture and Design Management and Information and Interaction Design. We gathered students who wanted to present their artistic creativity in various media, including painting, printing, sculpture, and media art.

I also featured my artworks as a participating artist majoring in CDM. I presented four oil paintings and the captions are as follows:

1. 일광과 월광 (Sunlight and Moonlight)

[일광]은 전시회 주제의 ‘직사광선’이라는 키워드를 주제로, 끊임없이 내리쬐는 햇빛을 직선적인 붓터치로 시각화했다. 뜨거운 햇빛의 존재감을 따뜻한 색감을 가진 물감의 무게감으로 표현했다.
‘직사광선’과의 대비를 위해, [월광]은 밤바다와 그 위에 비치는 달빛을 곡선적인 붓터치를 통해 시각화했다. 물결의 반짝임을 위한 하얀색과 바다를 위한 짙은 푸른색을 사용했다. 흐름의 시작과 끝이 모호하게 나타나 캔버스 너머의 세계를 상상하게 한다.
Interpreting the keyword of the exhibition 'direct sunlight,' endless sunlight is visualized in [Sunlight] with the image of scorching sun expressed by straight brush strokes and chunks of paint in warm colors.
To give contrast to direct sunlight, [Moonlight] as a reflection on the night sea is visualized through curved brush strokes. White, deep blue, and green are used for the glitters of the waves and the sea respectively. The ambiguous point of the beginning and the end of the flow makes us imagine the world beyond the canvas.

[일광]은 전시회의 주제이자 제 이름의 의미이기도 하며, [월광]은 항상 제 마음 속에 있는 제일 좋아하는 장소 바다를 표현한 것입니다. 이 두 작품에는 오직 붓터치와 색만을 통해 영원이라는 개념의 모호한 경계를 표현하고 있습니다.
비록 작은 캔버스 두 개이지만, 관람객들과 그림을 그린 작가는 이 그림을 볼 때 단순히 캔버스만을 보지는 않을 것입니다. 캔버스 너머의 광경을 머릿속으로 그리고, 또 그 광경이 사람마다 어디까지 이어질지도 다릅니다. 비록 붓터치가 캔버스 안에서 끝나더라도, 무한한 캔버스가 있다면 그 터치가 어디까지 이어질지는 아무도 모르는 것입니다.
이와는 반대로 두 그림이 각각 낮과 밤이라는 일시적인 시간이라는 유한성을 나타내기도 합니다. 그리고 그 특정한 순간만을 묘사할 수 있는 인간의 시야 또한 한정적입니다. 우리가 바라보는 것은 우리의 시야를 넘어서도 존재하지만, 우리는 제한적으로나마 그것을 바라보고 해석할 뿐입니다.
[Sunlight] is the theme of the exhibition and the meaning of my name, and [Moonlight] is my favorite place that I always keep in my mind. The vague boundary of eternity is presented using only brush strokes and colors in two paintings.
Even though they are two small canvases, the viewer and the painter would not just look at the canvas when we appreciate them. We imagine the scene beyond the canvas. Imagination may differ with individuals to think how far the sunlight and moonlight continue if there is an infinite canvas.
On the contrary, the two paintings represent the finitude, two temporary moments called day and night. The human’s view is also limited since it can capture only the moment. What we can see exists beyond our vision. Therefore, we interpret nothing but what we see in a limited way.

2). 생명의 원 (Circle of Life)

식물의 삶은 태어남, 결실, 죽음, 그리고 다시 태어남으로 설명될 수 있다. 생명이라는 것의 유한성과, 그 유한성이 모여 이루는 영속적인 모습을 식물로 가득찬 원형의 공간으로 표현했다.
Plant life can be explained by birth, fruition, death, and rebirth. The finitude of life and the cycle of that finitude are expressed in a circular space full of plants.

자연을 주제로 영원성에 대한 고찰을 하다 보면 도달할 곳이 바로 생명의 순환이라는 개념일 것입니다. 대표적으로 식물이라는 존재는, 한 해를 보내며 살아 숨쉬기 시작해 꽃과 열매를 피워내고 숨을 거둡니다. 중앙의 하얀 배경은 직사광선의 텍스처를 간접적으로 표현하고자 했으며, 이 경우 직사광선은 무엇인가를 썩게 하는 것이 아니라 생명을 부여하는 존재임을 강조하고자 합니다. 전체적인 형태는 싱가폴의 플라워돔에 있는 원형 공간에서 영감을 받았으며, 생명의 유한성과 그 유한성이 끊임없이 돌고 도는 순환의 영원성을 나타냅니다.
If you examine eternity within the theme of nature, you may reach the notion of the cycle of life. Typically, throughout the year, plants are born and start to live, bloom flowers and fruits, and return to dust.
The white background in the center implies to indirectly express the texture of direct sunlight. In this case, I want to emphasize that direct sunlight is not a decaying thing, but a life-giving one, essential for plants. The overall composition of this painting is inspired by the circular space in Singapore's Flower Dome, representing the finitude of life and the eternity of a cycle in which its finitude revolves permanently.

3. 분홍 바람 (Pink Wind)

봄 어느날, 흐드러지게 폈던 벚꽃으로 가득찬 기억.
아직은 아렸던 초봄의 바람이 전달한 힘, 그리고 그 강했던 힘을 뚫고 나온 봄의 상쾌함이 공존한다.
One day in April, reminiscence of cherry blossoms in full bloom and bliss.
The flow of blustery wind was still painfully strong in early spring, yet fresh breeziness is in company with that piercing power.

자연을 주제로 이어나간 작품 중 하나입니다. 이 그림에서는 작가가 어느 봄날 느꼈던 찰나의 봄바람과 그 이미지를 포착한 것입니다. 벚꽃이 흐드러지게 피었지만 아직은 매서웠던 바람의 모습을 강한 수평적인 텍스처로 표현해 바람에 대한 감각을 일깨우게 하며, 그 강한 힘 속에서도 흩날리는 벚꽃잎을 보는 그 때의 기억을 분홍 등의 다양한 색을 사용해 앞으로 다가올 따뜻한 봄날을 상상하게 만듭니다. 봄이라는 계절의 속성, 그리고 바람이라는 자연 현상 또한 무한성과 유한성의 경계에 있는 것이므로, 이 그림은 계절의 유한적 특성과 함께 매년마다 돌아오는 연속성을 내포합니다.
It is one of the works that continues with the theme of nature. In this painting, the artist captures the cold breeze of spring. The strong horizontal texture of the wind wakes our sense to recall the time when feeling the wind. Memories of seeing cherry blossom petals scattering under the strong power are presented in various colors such as pink to imagine the warm spring days approaching. The nature of the season, spring in this case, and the natural phenomenon of wind, is also on the boundary between infinity and finitude. Therefore, this painting implies the continuity that every season returns with the limit of time.